viernes, 6 de julio de 2012

Uno de los nuestros

Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, vive en Brooklyn y se siente fascinado por la vida que llevan los gángsters de su barrio, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. Paul Cicero, el patriarca de la familia Pauline, es el protector del barrio. A los trece años, Henry, decide abandonar la escuela y entrar a formar parte de la organización mafiosa como chico de los recados; pero muy pronto se gana la confianza de sus jefes, gracias a lo cual irá subiendo de categoría.

Para mí "El padrino" representa la cumbre de las películas de gangsters. En ella se utiliza el marco de la mafia para narrar una espectacular tragedia griega, colosal, épica, que se ha hecho un hueco imborrable en mi memoria. No creo que "El padrino" sea la principal influencia de "Uno de los nuestros", pero siempre que veo esta última tengo la sensación de que se trata de una revisión de aquella, despojándola de toda historia y haciendo todo un recorrido por los entresijos de la mafia. Y el resultado es monumental.

Dejando de lado las cuestiones morales, Scorsese utiliza ese estilo poderoso, atractivo, fascinante para bucear por el reverso y el anverso de un imperio basado en el poder que tristemente ofrece la sangre, en lujos y derroches que se sustentan en incumplir unas cuantas leyes; en definitiva, en vivir de puta madre a costa de que otros no vivan tan bien.

Para esta guía, Scorsese coge como conejillo de indias a uno de los integrantes, un perfecto Ray Liotta, y a través de él nos muestra todas las vivencias en este submundo, y todo lo que esto comporta. Para meternos en la historia, se emplea una espléndida banda sonora, un apabullante montaje con la precisión de un reloj suizo, y, sobre todo, la fuerza del retrato de estos cabrones, sobre todo de De Niro y Joe Pesci, que tan pronto se nos hacen simpáticos como se vuelven aborrecibles.

No hay preocupación por describir personajes, algunos por sus miradas lo dicen todo (absolutamente genial la escena de De Niro sentenciando a un pobre diablo con una mirada y unas caladas, y de fondo “Sunshine of Your Love”). Barroca, excesiva, minuciosa, larga, trepidante, genial, por completo imprescindible.


1990
DIRECTOR Martin Scorsese
GUIÓN Nicholas Pileggi, Martin Scorsese (Novela: Nicholas Pileggi)
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Michael Ballhaus
REPARTO Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Samuel L. Jackson, Paul Sorvino,Debi Mazar, Mike Starr, Tony Darrow, Frank Sivero, Frank Vincent, Chuck Low, Frank DiLeo,Clem Caserta, Illeana Douglas, Melissa Prophet, Michael Imperioli, Tobin Bell, Billy L. Sullivan
PREMIOS
1990: Oscar: Mejor actor secundario (Joe Pesci). 6 nominaciones
1990: BAFTA: Mejor película
1990: Festival de Venecia: León de Plata (Mejor director)
1990: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película


Dedicato a Marian Chouciño, un amico di famiglia

jueves, 5 de julio de 2012

El exótico hotel Marigold

Un grupo de ancianos ingleses deciden disfrutar de su jubilación en Bangalore, una exótica población de la India, pero las diferencias culturales pronto se pondrán de manifiesto creándoles todo tipo de problemas.
Muchos de quienes vivieron una experiencia cercana a la muerte describen ese estado como un recorrido a través de un túnel de luz, al final del cual personas amigas te reciben y
acogen. La película de John Madden provoca esa impresión en mi mente. Un grupo de personas mayores, desencantadas de un modo u otro por la forma en que transcurren sus vidas en un país de los llamados primermundistas (Inglaterra), y asustadas ante las perspectivas que les ofrece el sistema (una cutre jubilación sin sorpresas, a la espera de la muerte verdadera), se lían la manta a la cabeza y deciden lanzarse a la aventura de sus vidas en un país exótico (eso sí, un país que fue su colonia y que, por lo tanto, habla inglés). Pero el espíritu de la película se puede extrapolar, salvando las necesarias distancias. Volviendo a lo del túnel de luz, explico por qué la atmósfera de esta película trajo a mi mente tal simil: ese grupo de británicos “casi viejos”, muchos convencidos ya de su inutilidad para el mundo, se ven envueltos en la brillante luz y la explosión de vida de ese país que es India. Y a pesar de las diferencias culturales que provocan en ellos el inevitable shock, conforme avanza la película vemos que el balance va resultando positivo, que al arriesgarse eligiendo como destino final de sus vidas un lugar tan alejado de sus respectivas circunstancias vitales no han fallado, y que de un modo u otro van a cambiar su decepción inicial por un sentido de la propia valía, una especie de rejuvenecimiento interior, y una renovación de sus deseos de seguir viviendo o, al menos, de terminar bien lo que llevaba camino de ser una catástrofe.
Esta es una película que mezcla veteranía con juventud, que opone luz a la oscuridad que en el inconsciente colectivo provoca la idea de envejecimiento, que hace sentir optimismo ante la posibilidad de nuevos retos, nuevas fronteras que, si se desea, pueden seguir existiendo para las personas cuya edad se cuenta por varias decenas, siempre que estén despiertas y dispuestas a seguir dando lucha.
Viene bien que se escriba este tipo de cine optimisma y divertido para “mayores”, porque nunca como hoy se ha vivido tantos años, el número de “mayores” es tan enorme, y sin embargo nunca, como hasta ahora, se ha temido tanto llegar a mayor. En el pasado los veteranos eran personas respetadas, pero hoy, quien llega a tan solo 60 es considerado, en general, un carcamal, y por mucho que se sepa que aún vivirá otros 30 o más años, se le considera un marginado de la sociedad, y solo cuentan para él o ella los viajes del Imserso. Pero hay otro mundo. Y los veteranos, por ser mayoría, tienen que convencerse de que tienen derecho a él, reclamarlo y disfrutarlo.
Me quedo con una frase que se repite en la película y que me parece tremendamente positiva: “las cosas al final siempre terminan bien, y si no terminan bien es que no es el final”. Maravillosa.

 2011
DIRECTOR  John Madden
GUIÓN  Ol Parker (Libro: Deborah Moggach)
MUSICA Thomas Newman
FOTOGRAFÍA Ben Davis
REPARTO Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Dev Patel, Tena Desae


viernes, 16 de marzo de 2012

Intocable

Como resultado de un accidente de parapente que le ha dejado tetrapléjico, Philippe, un rico aristócrata, contrata como cuidador a domicilio a Driss, un inmigrante de un barrio marginal recién salido de la cárcel. En una palabra, la persona menos indicada para el puesto. No obstante, entre los dos, acaban logrando que convivan Vivaldi y Earth Wind and Fire, la elocuencia y la hilaridad, los trajes de etiqueta y las medias del chándal. Dos mundos enfrentados que, poco a poco, congenian hasta forjar una amistad tan disparatada, divertida y sólida como inesperada, una relación única en su especie de la que salen chispas transformándoles en... "Intocables".
El argumento está basado en una historia real que los directores vieron en un documental en el año 2004. Fue en Francia un extraordinario éxito de público, estando 10 semanas consecutivas como nº1 de taquilla, con más de 18 millones de espectadores. Como resultado es uno de los films más taquilleros de la historia de Francia.
El ritmo de gracias o chistes no decae en casi ningún momento de la película, ni en cantidad, ni, por supuesto, en calidad. Aunque no hay que olvidar el lado más dramático de la película, también muy bien conseguido, que acompaña al lado humorístico complementándose en todo momento.
Es decir, las dos vertientes van siempre de la mano y en cada momento humorístico palpamos el dramatismo, y viceversa.
Es de elogiar tanto el gran trabajo de Omar Sy como el de François Cluzet, que interpretando a personajes con tanta personalidad, es fácil caer en las individualidades y que cada uno actúe centrado en sí mismo. Pero en cambio, lo que vemos es a dos actores que, genuinamente, congenian a la perfección creando un realismo que se hace agradecer.
En particular, Omar Sy clava cada expresión facial y François Cluzet más que interpretar las escenas, las vive y experimenta.
Hablamos de una película con escenas de gran calibre; algunas de ellas sutiles, como las imágenes del extrarradio de donde procede Driss, donde un simple plano es suficiente para reflejar el contraste entre el lujo y los suburbios; y otras (como la escena del baile de Eart,Wind&Fire, no voy a desvelar nada más) donde la dicción de la elegancia con la jerga callejera queda muy bien implícita dentro de la escena.

En resolución, una gran película que nos habla de la amistad. Pero de una amistad demencial de dos polos opuestos que gracias a su energía, comicidad y complicidad los hace intocables.

2011: Premios Cesar: Mejor actor (Omar Sy). 9 nominaciones, incluyendo mejor película
2011: Festival de San Sebastián: Sección oficial no competitiva - Clausura
2011: Festival de Tokyo: Mejor película, mejor actor (François Cluzet & Omar Sy)DIRECTOR  Olivier Nakache, Eric Toledano
GUIÓN  Olivier Nakache, Eric Toledano
MÚSICA  Ludovico Einaudi
FOTOGRAFÍA  Mathieu Vadepied 

domingo, 29 de enero de 2012

Baarìa - La porta del vento 2009

"Baarìa" es un relato épico que abarca tres generaciones, desde la década de 1930 hasta los tiempos modernos, usando como telón de fondo el surgimiento del fascismo, la Segunda Guerra Mundial y los manejos políticos de la Italia de posguerra. Con un presupuesto de 25 millones de euros (35,5 millones de dólares), fue la película de apertura del Festival de Venecia. Seleccionada por Italia como candidada al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa.

Tornatore vuelve una vez más a su juventud en Sicilia y filma un mosaico barroco, tierno, rudo, romántico, bullanguero, supersticioso, esperanzado, desilusionado, pleno de hambres y vendettas, luchas y griterío, maldiciones, juramentos, insultos, burlas, gente que se quiere o se odia a su ruidosa manera, niños contestones y rapazuelos de ojos colmados de sed, mayores agobiados de problemas, carencias y golpes de una suerte demasiado adversa. El pulso de Bagheria desde el ascenso del fascismo hasta la actualidad es el latido de toda una isla dotada de unas señas de identidad que ya conocemos gracias a obras como “El gatopardo” de Lampedusa, o la gran ópera prima de Tornatore, “Cinema Paradiso”.
El devenir de Peppino Torrenuova y los suyos compone una red profusa de situaciones por las que Italia atravesó durante gran parte de un siglo veinte convulso. Tan nostálgico como irónico, y sobre todo retratista del carácter de un pueblo singular, del que ha sabido exprimir (aunque quizás con excesiva aceleración y confusión) sus rasgos chocantemente y escandalosamente humanos, Tornatore evoca las hambrunas, los campesinos apaleados, los niños que maduraban prematuramente con los trancazos de la pobreza, la mafia opresora, los fascistas que no consiguieron lavar el cerebro del todo a unos aldeanos analfabetos y resabiados, las costumbres locales, las supercherías, las tradiciones recalcitrantes, el abrazo del comunismo al que se agarraron muchos sicilianos aunque no fuera nada más porque estaban hartos de la mafia y de los caciques y políticos corruptos.
Los ciclos vitales giraban en Baarìa, o Bagheria, igual que siempre y que en todas partes, nacimiento, infancia, juventud, amor, tragedia, inquietudes por un futuro en el que todos aspiramos a encontrar algún jirón de felicidad, pillos traviesos jugando en las calles y robando frutas en los campos de los terratenientes, vendedores pregonando, mujeres de luto, jóvenes casaderos heridos por los dardos de la pasión, viejos reunidos en las cantinas, guerras, pérdidas, ausencias, migraciones, mítines políticos en las plazas, gritos, discusiones, risas, bromas, provocaciones y llantos, el fuerte viento arrastrando el polvo, las piedras antiguas de los monumentos esculpidas con resistente belleza, las humildes viviendas.
Y entre tanto ruido sólo los ojos hablan en silencio, los de Peppino y los de Mannina, los de Michele, Angela y Pietro, los de Ninno, Cicco y la nonna.
Son en realidad esos dos pequeños espejos redondos los que más cosas dicen, cuando la verborrea no alcanza a expresar pensamientos impronunciables, emociones que sólo se entienden en un brevísimo intercambio de miradas compartido como un secreto de los de guardar bajo llave.
Tal vez no hay diferencia entre soñar la vida y vivir un sueño.
Cuando uno crece se da cuenta de algo: que los tesoros ocultos de las leyendas no están ahí para ser encontrados, sino para ser buscados.

2009
Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa
Premios David di Donatello: David de la Juventud y mejor música
Festival de Veneci: Sección oficial largometrajes a concurso

Director Giuseppe Tornatore
Guión Giuseppe Tornatore
Música Ennio Morricone
Fotografía Enrico Lucidi

The Help - Criadas y señoras 2011

Mississippi, años 60. Skeeter (Emma Stone) es una joven sureña que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigos porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida al servicio de las grandes familias sufriendo todas las formas de discriminación racial.
"La película no es perfecta: en ocasiones muestra sus costuras. Pero en su mayor parte es un conmovedor homenaje a las mujeres subyugadas que mantienen la cabeza alta"         
Viola Davis es una fuerza de la naturaleza y Octavia Spencer tiene un rostro maravillosamente expresivo y un impecable tempo cómico
Los fans de la novela pueden respirar tranquilos: el cálido encanto del libro se ha convertido en una película igualmente emotiva.




2011: Oscars: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película y actriz principal (Viola Davis)
2011: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Octavia Spencer). 5 nominaciones
2011: Premios BAFTA: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2011: National Board of Review: Mejor reparto
2011: Critics Choice Awards: 3 premios de interpretación. 8 nominaciones
2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actriz de reparto (Jessica Chastain)
2011: Satellite Awards: Mejor actriz (Davis). 4 nominaciones, incluyendo mejor director
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz secundaria (Jessica Chastain)

Director Tate Taylor
Guión Tate Taylor ( Novela de Kathryn Stockett )
Música Thomas Newman
Fotografía Stephen Goldblatt

jueves, 12 de mayo de 2011

Un pez llamado Wanda 1988

Un cuarteto de atracadores planea dar un gran golpe en la joyería Hatton Gardens de Londres. El robo es un éxito pero sólo George, el jefe de la banda, sabe dónde se encuentran las joyas, y está recluido en prisión. Wanda, la única mujer del grupo, comienza a seducir a Archie, el abogado defensor de George, con la esperanza de sonsacarle el escondite del botín. El grupo se completa con Otto, un siniestro psicópata admirador de Nietzsche, y Ken, un tartamudo que tiene en su casa una pecera llena de peces exóticos, de los cuales su preferido es uno llamado Wanda.

Genial, irreverente y disparatado relato de ladrones. Es una comedia de personajes que critica sin reparos la sociedad británica de los 80, al tiempo que permite al espectador desternillarse de risa mediante los múltiples enredos de los que está compuesto el guión. Con un elenco de actores especialistas en comedia, un humor inteligente y un sinfín de despropósitos, el film narra las peripecias de un grupo de atracadores que no paran de traicionarse entre sí. Al final la historia es lo de menos, primando las reacciones de los personajes ante las distintas situaciones. Una de las mejores películas de humor de los 80.

Oscar: Mejor actor secundario (Kevin Kline). 3 nominaciones

DIRECTOR Charles Crichton
GUIÓN John Cleese
MÚSICA John Du Prez
FOTOGRAFÍA Alan Hume

Drácula de Bram Stoker 1992

En el año 1890, el joven abogado Jonathan Harker viaja a un castillo perdido de Transilvania, donde conoce al conde Drácula, que en 1462 perdió a su amor Elisabeta. El Conde, fascinado por una fotografía de Mina Murray, la novia de Harker, que le recuerda a su Elisabeta, viaja hasta Londres "cruzando océanos de tiempo" para conocerla. Ya en Inglaterra, intentará conquistar y seducir a Lucy, la mejor amiga de Mina.
Sin lugar a dudas es la más fiel transcripción de los hechos narrados en la famosa novela de Bram Stoker, de la que respeta incluso la estructura narrativa, compuesta a base de hacer evolucionar la historia a través de la lectura de los diarios de diversos personajes.
Sin embargo, la incorporación del prólogo, plásticamente impecable pero inexistente en la novela, en el que se narra el origen del vampiro, para dar una motivación a todos sus actos posteriores, esto es, el desmesurado amor que el Príncipe Vlad el Empalador, siente por su adorada e infortunada Elisabetta, revivido al contemplar el parecido de ésta con la joven Mina Harker, 400 años después de la muerte de la primera, convierte al Príncipe de las Tinieblas, imaginado por Stoker, en el protagonista de un melodrama romántico-fantástico, que es absolutamente infiel al espíritu con el que fue creado.
En el film de Coppola, aún fiel a los hechos descritos en la novela, Drácula ya no será la encarnación del mal, el vehículo para descubrir la miseria moral y la hipocresía de quienes le combaten, que tan bien quedó reflejada en la magistral versión de Terence Fisher de 1958, que interpretara el sobrecogedor Christopher Lee, sino un héroe romántico en lucha por preservar su amor contra el tiempo y contra aquellos que han jurado destruirle.
Ni siquiera se puede afirmar que el planteamiento sea original, ya que este giro argumental, un Drácula romántico y seductor, ya fue explorado por John Badham en su meritoria versión del mito realizada en 1979.
A pesar de esa infidelidad al espíritu de la novela, el film de Coppola es un excelente film de vampiros, claramente concebido como gran espectáculo visual, un ejercicio operístico donde prima el impacto visual y el exceso, se diría que intenta ser un compendio de todas las aportaciones iconográficas del subgénero vampírico, debidamente aumentadas o enfatizadas.
Ese compendio de fascinantes hallazgos visuales, unidos a la cautivadora historia del enamorado que "cruzó océanos de tiempo" para encontrar de nuevo a su amada, hacen perdonar la traición al espíritu de la novela original, en un film que sin duda debiera haberse titulado "Drácula... de Francis Ford Coppola"

3 Oscars: Mejor vestuario, maquillaje, efectos de sonido. 4 Nominaciones

DIRECTOR Francis Ford Coppola
GUIÓN James V. Hart (Novela: Bram Stocker)
MÚSICA Wojciech Kilar
FOTOGRAFÍA Michael Ballhaus

Entrevista con el vampiro: Crónicas vampíricas 1994

Cuando lo desea, el vampiro Lestat convierte a sus víctimas en vampiros, concediéndoles así el don de la inmortalidad. A finales del siglo XVIII, Lestat convierte en vampiro a Louis de Pointe, un hombre desolado por la pérdida de su esposa y de su pequeña hija. Doscientos años más tarde, a finales del siglo XX, en San Francisco, Louis decide contar su historia, la historia de amor, terror y éxtasis de un vampiro, a un joven reportero, Daniel Malloy.

Quizás la película de vampiros más seria que se ha realizado en la historia del cine, pues mientras que las otras solo nos muestran el miedo y el horror, esta se sumerge en los pensamientos de los vampiros, en su capacidad de amar, de odiar y de desaparecer del mundo cotidiano y diurno. Un estudio romántico e increible de lo que pensaría y sentiría un vampiro si realmente existieran.
Brad Pitt y Tom cruise realizan una interpretación soberbia, notable en el caso de Antonio Banderas. En cuanto a Kirsten Dunst, esta arrebatadora en el papel de su vida (a pesar de su tierna edad). Nadie más que ella podría ser ese personaje tan complicado y enigmático, convirtio a "claudia" en la mejor que podía ser. Casi enfada verla ahora malgastando su talento haciendo "Spidermans" y demás bodrios de alto presupuesto.

La fotografía es magistral, dejándonos varias estampas para el recuerdo. Por no hablar de una banda sonora que va como un guante a la historia.

2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artístico, banda sonora original

DIRECTOR Neil Jordan
GUIÓN Anne Rice (Novela: Anne Rice)
MÚSICA Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA Philippe Rousselot

jueves, 5 de mayo de 2011

Mejor... imposible 1997

Melvin Udall, un escritor obsesivo y maniático, es uno de los seres más desagradables y desagradecidos que uno pueda tener como vecino. Pero, un buen día, tiene que hacerse cargo de un perro al que odia a muerte. La presencia en su vida del animal ablandará su corazón.
Un neurótico cascarrabias, novelista de éxito, y su relación con una camarera y su vecino gay. Con este argumento tan simple, Brooks hizo de esta comedia una joya con sabor a clásico. El motivo: un guión deliciosamente perfecto y singular. Si a esto añadimos que sus tres protagonistas bordan sus interpretaciones, tendremos el porqué de su éxito en taquilla. Con mucho encanto.

2 Oscar: Mejor actor (Jack Nicholson), actriz (Helen Hunt). 7 Nominaciones

DIRECTOR James L. Brooks
GUIÓN Mark Andrus & James L. Brooks (Historia: Mark Andrus)
MÚSICA Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA John Bailey

El resplandor 1980

Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, comienzan a producirse extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.
Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia, y a fe que lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia en la oscuridad para provocar miedo o tensión. Como muestra: pocas veces en la historia del cine una simple escena como un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspense tan extraño, tan inquietante, tan sobrecogedor.

DIRECTOR Stanley Kubrick

GUIÓN Stanley Kubrick & Diane Johnson (Novela: Stephen King)

MÚSICA Rachel Elkind & Wendy Carlos FOTOGRAFÍA John Alcott

Ronin 1998

Al igual que aquellos hombres sin honor, a los que la leyenda japonesa llama Ronin, en la Europa actual abundan los expertos en operaciones tan secretas como arriesgadas que venden su lealtad y su vida al mejor postor. Para un mercenario con un futuro incierto en un mundo en el que las viejas alianzas han desaparecido la única salida es matar o morir: debe cumplir la misión que le han encomendado, pero ignora para quién trabaja y cuáles son los verdaderos objetivos. Sólo sabe que, junto a varios compañeros -otro americano, un francés, un alemán y un inglés- debe encontrar una misteriosa maleta...
De Niro con el gatillo fácil. De partida el tema prometía. Mercenarios sin escrúpulos se persiguen por las calles de París y Marsella en una cinta trepidante, con cientos de coches destrozados y frenéticas persecuciones, que comienza muy bien pero se vuelve caótica y acaba decepcionando ligeramente. Puede que Frankenheimer pusiera el "listón" de su primera media hora demasiado alto, pero un director de su oficio no debería dejar que una historia interesante se le escape de las manos por la vía del estruendo.

DIRECTOR John Frankenheimer
GUIÓN David Mamet
MÚSICA Elia Cmiral
FOTOGRAFÍA Robert Fraisse

Heat 1995

Neil McCauley es un experto ladrón. Su filosofía consiste en vivir sin ataduras ni vínculos que puedan constituir un obstáculo si las cosas se complican. Su banda la forman criminales profesionales tan cualificados que pueden impresionar incluso al detective Vincent Hanna, un hombre que vive tan obsesionado con su trabajo que llega incluso a poner en peligro su vida sentimental. Cuando la banda de McCauley prepara el golpe definitivo, y el equipo de Hannah se dispone a evitarlo, cada uno de ellos comprende que tiene que vérselas con la mente más brillante a la que se ha enfrentado en su carrera.
Policía y ladrón, De Niro y Pacino, dos genios de la interpretación, juntos y a duelo en un trepidante e intenso thriller de Michael Mann -un director que siempre, aun dirigiendo films de acción, ofrece una profunda e interesante introspección en sus personajes-. Heat es excesivamente larga, pero cuenta con un reparto formidable -tanto masculino como femenino-, espectaculares escenas de acción -atención a un tiroteo cumbre en el género- y un guión francamente brillante, tanto en la trama como en los diálogos.

DIRECTOR Michael Mann
GUIÓN Michael Mann
MÚSICA Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA Dante Spinotti

Blade Runner 1982

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba "retiro".
Blade Runner existe para demostrar a los intransigentes que la Ciencia Ficción no es un género menor. La belleza plástica de cada fotograma sin excepción se conjuga perfectamente con la sugerente música de Vangelis y con una historia que habla con palabras mayores: vida, amor y muerte, el núcleo de la existencia humana. Esta magistral película nos deja frases y escenas para la posteridad, como la de Tyrell y Roy, cual doctor Frankenstein y su monstruo, momento álgido entre el dios de la electromecánica y su perfecta creación; la del test Voight-Kampff a una Rachael interpretada deliciosamente por Sean Young y que es la parte más fiel a la novela original “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” de Philip K. Dick, ampliamente superada en la versión de celuloide; cada secuencia de la dulce y mortífera Pris –Daryl Hannah ha declarado que este director fue el que mejor partido supo sacarla–; o esa otra para recordar junto al plano ascendente del “principio de una gran amistad” en Casablanca como lo mejor del cine de todos los tiempos: “He visto cosas que vosotros no creeríais...”, comienza a decir Roy –un más que expresivo Rutger Hauer– a un perplejo Deckard, para culminar en un plano ralentizado de su rostro bajo la lluvia y el vuelo de la paloma hacia un cielo gris. “Lástima que no pueda vivir, pero... ¿quién vive?” sentenciará después el policía interpretado por Edward James Olmos a un Harrison Ford que da aquí con el mejor papel de toda su carrera cinematográfica. Y es esta última frase la que condensa toda la película al mismo tiempo que nos abofetea con un hecho irrefutable, triste pero hermoso, que es lo que da sentido a toda la existencia: la de esta portentosa obra de Ridley Scott que se mezcla entonces con la de nuestra propia vida. Una película de 1982 que a pesar de ello es ya un clásico entre los clásicos.

2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artística, efectos visuales

DIRECTOR Ridley Scott
GUIÓN David Webb Peoples & Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick)
MÚSICA Vangelis
FOTOGRAFÍA Jordan Cronenweth

miércoles, 4 de mayo de 2011

Batman Begins 2005

Nueva adaptación del famoso cómic. Narra los orígenes de la leyenda de Batman y los motivos que hicieron que se convirtiera en el representante del Bien en la ciudad de Gotham. ¿Cómo puede un hombre cambiar el mundo? Ésta es la pregunta que obsesiona a Bruce Wayne al igual que el recuerdo de sus padres, muertos a tiros ante sus ojos, en las calles de Gotham, una noche que cambió su vida para siempre. Atormentado por la culpa y la ira, desaparece de Gotham y viaja en secreto por el mundo, buscando los medios para luchar contra la injusticia. Durante su ausencia, un misterioso hombre llamado Ducard lo adiestra en todas las disciplinas físicas y mentales que le permitirán combatir el Mal. Por esta razón, la Liga de las Sombras, un poderoso y subversivo grupo de vigilantes, dirigido por el enigmático líder Ra's Al Ghul, intentará reclutarlo. Cuando Bruce vuelve a Gotham encuentra la ciudad dominada por una delincuencia y una corrupción desenfrenadas. Con la ayuda de su leal mayordomo Alfred, del detective Jim Gordon (uno de los pocos buenos policías de Gotham) y de Lucius Fox, su aliado en la división de Ciencias Aplicadas de Wayne Enterprises, Bruce Wayne libera a su imponente alter ego: Batman, un justiciero enmascarado que utiliza la fuerza, la inteligencia y un despliegue de artefactos de alta tecnología para luchar contra las siniestras fuerzas que amenazan con destruir la ciudad.
Lo que hace de Batman Begins un film tan disfrutable es el modo en el que el director Nolan presenta los elementos del género familiar de una forma completamente nueva, nunca vista (...) Es sorprendente lo que un excelente reparto, un sólido guión y el respeto por el material original pueden hacer por una película basada en un cómic.

Nominada al Oscar: Mejor fotografía

DIRECTOR Christopher Nolan
GUIÓN David S. Goyer & Christopher Nolan (Personajes: Bob Kane)
MÚSICA James Newton Howard, Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA Wally Pfister

El caballero oscuro 2008

Batman (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y del Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman se propone destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra su eficacia, pero, de repente, aparece Joker (Heath Ledger), un nuevo criminal que desencadena el caos y tiene aterrados a los ciudadanos.
En la línea divisoria entre arte e industria, poesía y entretenimiento, 'The Dark Knight' llega más oscuro y más profundo que cualquier otra película de Hollywood sobre adaptaciones de cómic.

2 Oscar: Mejor actor secundario (Heath Ledger), montaje de sonido. 8 nominaciones

DIRECTOR Christopher Nolan
GUIÓN Christopher Nolan, David S. Goyer, Jonathan Nolan (Personajes: Bob Kane)
MÚSICA James Newton Howard, Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA Wally Pfister